Varför producerar Javier Marins skulpturer entusiasm hos betraktaren som framför dem inte kan låta bli att skissa ett mycket litet leende av tillfredsställelse? Vad är kraften i attraktion som de väcker? Varifrån kommer den koncentrerande kraften som drar betraktarens uppmärksamhet? Varför har dessa lerfigurer orsakat uppståndelse i ett område där skulptur får diskriminerande behandling med avseende på andra former av plastuttryck? Vad är förklaringen till den fantastiska händelsen?
Att svara på dessa - och många fler - frågor som vi ställer oss när vi ”ser” Javier Marins skulpturer kan inte och bör inte vara en automatisk operation. Inför fenomen av liknande natur, faktiskt sällsynt, är det nödvändigt att gå med blyfötter för att undvika att falla i oväntad klumpighet som bara förvirrar och avleder uppmärksamhet från det väsentliga, från det som är materiellt och rättvist som verkar vara uppenbart i författarens arbete ung, fortfarande i den formativa fasen, vars virtuositet är utan tvekan. Javier Marins verk förtrollar och fascinationen som uppmuntrar andarna hos både den furtive observatören och den hårda och kalla kritikern ger intryck av att de sammanfaller, vilket får en att tänka på framväxten av en lovande konstnär, med enorm potential, på vilken man måste meditera med största möjliga lugn.
Här betyder framgång lite för oss, för framgång - som Rilke skulle säga - är bara ett missförstånd. Vad som är sant kommer från arbetet, från vad som är implicit i det. I vilket fall som helst försöker en estetisk bedömning att erkänna författarens avsikt och att genom sitt arbete tränga in i den kreativa handlingens mening i uppenbarelsen av de plastiska värden som han utstrålar, i grunden som upprätthåller den, i kraften stämningsfull som överför och i mognad av det geni som gör det möjligt.
I Marins arbete är behovet av att fånga den mänskliga kroppen i rörelse tydlig. I alla hans skulpturer är den otillfredsställda önskan att frysa vissa ögonblick, vissa situationer och gester, vissa attityder och blinkningar som, när de präglas på figurerna, pekar mot upptäckten av ett språk utan doldhet, ibland laddat, ödmjukt och undergiven mot andra. , men ett språk som inte förnekar den definierade fakturan för den person som formulerar den. Kroppen i rörelse - förstås som ett generiskt inslag i hans arbete - är privilegierad över alla andra plastvärden. Sådan exklusivitet måste tillskrivas det faktum att en idé om människan är föremål för hans konst, som konfigurerar något som en uttrycksfysik som han strukturerar hela det arbete han hittills har producerat.
Hans skulpturer är materialiserade bilder, bilder som saknar stöd i den naturliga verkligheten: de kopierar inte eller imiterar - inte heller låtsas de göra det - ett original. Bevis på detta är att Javier Marín arbetar med en modell. Hans uttryckliga avsikt är av annan karaktär: han reproducerar om och om igen, med få variationer, hans uppfattning, hans sätt att föreställa sig människan. Det kan nästan sägas att Javier stötte på blixtnedslag i sin vandring längs konstens vägar som belyste vinkeln för en fantastisk representation och spontant övergav sig till sin intuition, började den uppåtgående marschen mot struktureringen av en nu omisskännlig personlighet.
I hans skulpturella verk finns det en subtil definition av de utrymmen där de imaginära karaktärerna utvecklas. Skulpturerna är inte modellerade för att inta en plats, de är snarare formare, skapare av de utrymmen de ockuperar: de går från en gåtfull och intim inredning till en grundläggande exteriör av scenografin som den innehåller. Som dansare antyder förvrängningen och kroppsuttrycket knappast den plats där handlingen äger rum, och det enda förslaget är redan det som stödjer en trollformel den rumsliga strukturen där representationen äger rum, vare sig cirkus eller cirkus. av en dramatisk episk känsla eller av en fars av komisk humor. Men den kreativa driften av rymden i Marins verk är chimär, spontan och enkel till sin natur, som snarare försöker möta det illusoriska utan att en intellektuell ingripande tenderar att rationalisera abstraktion. Dess hemlighet ligger i att erbjuda sig själv utan mer eller mer, som en gåva, som en position i den visuella horisonten med en avsiktlig dekorativ och dekorativ avsikt. Därför lyckas dessa skulpturer, utan att ha syftet med spännande sofistikerade tankar, att fängsla den konstgjorda mannen, underkastad den geometriska perfektion och den entydiga och exakta konsekvensen i algoritmen och funktionella och utilitaristiska utrymmen.
Vissa kritiker föreslår att Marins verk bygger på den klassiska antiken och renässansen för att höja hans speciella estetiska vision; det verkar emellertid felaktigt för mig. En grek som Phidias eller en renässans som Michelangelo skulle ha märkt grundläggande brister i Marins torsos, eftersom dessa enkelt och helt enkelt inte kan inramas inom det naturalistiska schemat som klassificeras i klassisk estetik. Klassisk perfektion försöker också lyfta naturen till det olympiska området, och renässansskulpturen försöker fixa människans transcendens i marmor eller brons, och i den meningen har verken en stark from fromhet. Marins skulpturer, tvärtom, avlägsnar människokroppen från någon religiös mask, tar bort alla gudomliga glorier och deras kroppar är lika jordiska som lera som de består av: de är bitar av tillfällig bräcklighet, bara ögonblick smygande gryning och omedelbar upplösning.
Den störande erotiken som deras figurer utstrålar överensstämmer med en tradition som paradoxalt nog saknar någon tradition, som ignorerar allt förflutet och misstro varje framtid. Dessa verk är produkten av ett nihilistiskt, fattigt, konsumentistiskt samhälle, sklerotiserat av den nyhet som aldrig slutar tillfredsställa dig. Denna värld av vantro som vi alla är en del av, står plötsligt inför ett imaginärt, illusoriskt porträtt utan något annat stöd än en gjuten cementbas, utan någon annan funktion än att komma ihåg våra passioners delikatess, äntligen lika eterisk och obetydlig som suckan att alltid vara på väg till sprickor och dödlig upplösning. Det är därför lera fungerar i dessa bitar som ibland ser ut som bronser eller fler fleråriga material, men de är ingenting annat än strukturer av bränd jord, svaga figurer som håller på att smula och att de i detta bär sin kraft och sanning, för de hänvisar till osäkerhet. av vår aktualitet, eftersom de visar oss vår obetydlighet, vår verklighet som kosmiska kroppar av oöverträffad litenhet.
Marín är en skulptör som är fast besluten att pulverisera storheten i den myt-smidande atletiska kroppen, och snarare klä av sig begränsningen, sätter i spänning och framför våra ögon placerar den tragiska Hamletian ödet för samtida människa hotad av hans egna destruktiva impulser. Det är lera, det fattigaste av mediet, det äldsta och mest ömtåliga, det material som mest troget uttrycker tillvarans övergång, det närmaste mediet som vi har använt för att lämna vittnesbörd om vår passage genom jorden, och som Marín har använt för att ta sin plats i konstvärlden.
